A boneca que se rebelou contra o plástico

Foto: Sofia F. Ricardo / Arquivo pessoal.

“Mamãe, quero aquela.” E a criança aponta da calçada para uma boneca de renda fina, reluzindo pelos olhos caramelados de desejo. Esse é um dos primeiros elos simbólicos sobre gênero, estabelecidos ainda na infância, que repercutirão em sua vida. A mãe tergiversa e tenta mudar de assunto. “Tá caro, filha”. “Não... eu quero essa. Essa!”, desconversa. O coração rendido se solta. “Pronto. Vai ser essa.” A primeira compra, de livre e espontânea pressão, é feita. Uma parte do mundo, então, se abre para os grotões da vida.

Beirando os 190 centímetros, a boneca comprada pela criança se desprende do corpo. Está sentada em minha frente. Em pouco mais de uma hora de conversa, ela, a boneca – ou a criança –, revela, numa vontade imensurável de abraçar o mundo: “Eu sempre tive vontade de morrer.” Quem está ali a me dar todas as incompletudes, e nuances de um mundo quase quixotesco, é Sofia Favero Ricardo. A ventriloquista e marionete dessa peça. 

Era segunda-feira, 2 de junho, quando essa entrevista foi feita. Estávamos nos preparando para aumentar a publicização da Marcha das Vadias de Aracaju, que aconteceria praticamente duas semanas depois (no dia 14), mas, por alguma razão, não consegui nem iniciar esse texto. Até agora. O motivo só depois ficou claro: estava faltando identificar a boneca e a criança. Sofia é o universo que compreende a loja e a rua.

Não por menos, os seus olhos não paravam em ninguém. Preferia enxergar o horizonte enquanto conversava comigo para, nas poucas vezes em que parou para me ver, guardar o sorriso e a ironia. Pode parecer pouco, mas essa é a resposta intempestiva para o reduto que luta diariamente. Sofia é uma sobrevivente de si mesma.

Para bonecas, os centímetros de seu corpo são apregoados pelos olhos alheios. Tudo vira conta para agregar valor: cabelo liso + corpo magro + boas curvas. E é aos outros a quem é designada a função de formatar o perímetro do ser. “Fui modelada para achar isso [sobre o meu gênero].”

Não à toa, Sofia só percebe o mundo depois. Uma boneca feita de plástico precisa ser colocada em um padrão, enclausurada em uma caixa. Foi assim que escolheram o seu sexo e o seu gênero. Foi assim que questionaram sobre a sua sexualidade quando o que estava em jogo, em profunda contenda, era a sua identidade. Foi assim que ela deixou de ser “ele” para se afirmar enquanto “ela”. Uma briga sobre um ego em distensão que causa estranhamento. E o estranho, teimam alguns, é a boneca que, ironicamente, só reflete o que os seus olhos captam.

Ser designada enquanto homem e se apresentar como mulher tem para Sofia o significado inato que pessoas cisgêneras (que não tem problemas entre o sexo designado ao nascer e a sua identidade), como a maioria de nós, jamais perceberemos como um problema real. Pois, de antemão, é uma existência colocada na pirataria pelo próprio Estado.

Sofia na concentração da Marcha das Vadias 2014 de Aracaju, em 14 de junho. Foto: Linda Brasil / Arquivo pessoal.

E assim foi na violência que sofreu no ônibus em Aracaju e que repercutiu no país todo. Na apalpada em sua bunda, nos risos de escárnio das pessoas sobre sua identidade trans (que foge da normatização binária entre o que convencionamos enquanto masculino e feminino na sua correspondência com o duplo do sexo homem/mulher), nas chacotas com o “viado-traveco”. 

Como se essas duas palavrinhas tão banais pudessem ser uma coisa só à revelia de quem não se vê enquanto homossexual – mas como mulher trans* (que tem o seu sexo em desacordo com o gênero designado ao nascer e se afirma enquanto mulher, como travestis e transexuais). 

Como se identidade – como gosta de frisar – fosse o mesmo que orientação sexual. Disso, conclui: "Eu sempre achei que quando eu visse a morte ia pular em cima. Entende o que quero dizer?" Entendo, Sofia. "Eu sempre quis que alguém me matasse." Tornar-se uma mártir no lugar abjeto em que a colocaram é uma necessidade.  

Mas o mais irritante foi o silêncio dos bons que enxergavam a tudo. Sobretudo as mulheres que passam e sofrem por isso cotidianamente. “Se elas gritassem, elas seriam apoiadas. Se elas batessem, elas seriam apoiadas. Mas eu não fui.” E o olhar da boneca, que agora me alcança, consegue me atravessar por inteiro. A solidão é também um tipo de morte.

E a morte, quando confrontada assim, assume também funções místicas. “Eu vou tirar o demônio do seu corpo”, gritou o segundo agressor. O pai da boneca havia dito a mesma coisa. Sobre isso, Sofia argumenta: “Eu acho mais agressivo dizer: ‘Jesus te ama’.”  Não era heresia. Era a constatação sobre a realidade concreta, de um fundamentalismo religioso já arraigado em nosso meio. Era a prova cabal de que a relação vítima-agressor, aqui, não podia ser reduzida ao empurrão que levou – ou ao assédio que sofreu. Porque um duplo já estava montado entre o rapaz que gritou isso no ônibus e o seu pai – com quem não fala até hoje. Foi o retorno decisivo à infância. Um retorno ao papel de criança.

“Não vou dizer que sim, mas também não vou dizer que não”, contemporiza quando perguntada se a percepção de que estava no corpo errado já se fazia desde pequena. "Eu não sabia o que tinha de errado com isso. Eu só fui saber o que era uma transexual quando eu era adolescente." Uma entre três irmãs, hoje, com 20 anos, sentada naquela cadeira enquanto dividia o tempo entre mim e Mirna, Sofia era criança. Escavava a memória como poucos arqueólogos de cabeça. Não para achar nódoas fundamentais, mas para estabelecer rotas de fuga. Ela sabia e teve a completa noção de que é uma trans* privilegiada. E talvez essa seja a sua sina.

Sofia, junto com Daniela Andrade, Linda Brasil, Thiago Ranniery, Fernanda Bravo, militantes do coletivo RUA - Juventude Anticapitalista na Parada LGBT 2014 de Sergipe, no dia 31 de agosto. Foto: Linda Brasil / Arquivo pessoal.

O desencaixe do padrão cria estratégias de tentativas de normalização para todos. O estranho não pode existir. "Meu pai pagava os meninos pra brincar comigo. Eu via ele pagar cinco reais." Era corriqueiro, doloroso. Enquanto a sociedade moderna privatiza tudo à sua volta, algo ainda faz questão de tornar público: o corpo. Escapando dessa lógica de All Star, a criança, Sofia, ergue a cronologia de sua nova vida: aos 16 anos começou a tomar hormônios; aos 17, se assumiu como Sofia; aos 18, implantou uma prótese mamária; aos 19, entrou na faculdade e aos 20 mudou o nome em seus documentos. Uma vida que, por si só, já é uma potente produção de resistência.

A aceitação em casa foi tranquila – e até esperada. Na escola, porém, houve dois momentos bem distintos. No Ensino Fundamental, estudou em uma escola particular de bairro. "Se desse uma pinta, todo mundo já sabia." O preconceito estava mais exposto. Já no Ensino Médio, foi o período de descoberta. Com 15 anos, entrou no Colégio Estadual Atheneu Sergipense e, logo de cara, teve o primeiro contato direto com uma trans* que permitiu que a criança dentro da crisálida irrompesse na borboleta. "Por sinal, foi ela que comprou o meu primeiro hormônio."

Para muitas, o processo de hormonização é uma das coisas mais difíceis do ser trans. Para Sofia, no entanto, foi fácil porque foi paulatino. Apenas, porém, com um adendo: "Demorou assim... uns oito meses eu tomando hormônio escondido da minha mãe." Mas não chegou a se importar. "Eu acho que ela preferia eu mulher do que [o que] eu era. Eu era muito andrógina. Hoje eu sou muito discreta."

Nunca se prostituiu, faz parte da classe média, tem uma família que a apoia e estuda Psicologia em uma faculdade particular. Sofia é daquelas raras exceções em que a investigação consegue desvelar mais do Outro do que de si mesmo. A sua sala na faculdade é conhecida como a sala do traveco. “Porque tem um traveco”, arremata irônica.        

Ir ao banheiro, comprar uma comida na praça de alimentação da faculdade são atividades hercúleas que só consegue executar com a engenharia dos amigos. O banheiro só usa o de pessoas deficientes – e quando não tem ninguém. “Eu tenho muito medo das pessoas perceberem que eu não sou uma mulher cis e pedirem pra eu sair do banheiro”, desabafa. Lanche, em geral, não compra. "Porque é sempre um burburinho quando eu entro na praça [de alimentação]. Ficam sempre: 'ói ele'.”

A gramática de sua vida só conseguiu ser exposta com a criação da página Travesti Reflexiva, em 2012. Foi a partir daí que a criança aprendeu que o grito era uma forma potente de destrancar todos os titãs aprisionados. Inclusive com a publicização da violência que viria a sofrer depois, no ônibus. Na crueza do chão frio da rua.

Num dos últimos momentos, antes de fechar essa entrevista, pergunto o porquê de se afirmar enquanto travesti. Empolgada, revela: "Esse é o meu projeto de vida." Gabriela Leite – militante feminista e ex-prostituta, falecida no ano passado – é sua inspiração. "Ela é minha musa porque ela mostra a importância de mudar o contexto. Ela gosta de ser puta. Eu gosto de ser travesti". E a criança, então, se quebra. A boneca se perde. Não são mais nem uma, nem outra coisa. Mesmo porque, “travesti é muito pouco pra mim. Eu sou Sofia.”    

Em que século deixamos a humanidade?

Se tu não morres pelo gênero, morrerás pela cor. Se tu não serás feliz na vida, os seus também não serão a sua morte. Os casos de mulheres mortas aumentam a cada dia, mesmo que o século já seja o XXI, a mente ainda é idade média. 

Cláudia Silva Ferreira foi arrastada, de sua casa até a padaria, da padaria até as balas de revólver, das balas até o porta-malas da polícia como se não fosse gente, do porta-malas até o asfalto queimando e dilacerando, do asfalto até o hospital já tarde demais, do hospital para nossas casas e nossas vidas, se não há indignação, não há humanidade.

Uma morte também dolorida é a que o constrangimento traz. O constrangimento de levantar cedo todos os dias para trabalhar e sustentar sua família e com isso ser obrigada a tentativa de abusos e de estupros dentro de ônibus, metrôs e trens lotados. Quantas não se encolheram procurando ainda um pouco de liberdade, a liberdade de saber que seu corpo não pode ser violado sem sua permissão, que ninguém a deve tocá-la como se fosse seu senhor. No dia internacional da mulher, quatro foram executadas em Goiânia. De que importa se tinham ligação ou não com o tráfico, não se justifica, não se julga, não se tira a vida por nada. 

Muitos morrem a cada dia, mulheres morrem a cada hora. Seja da forma que for. O livre arbítrio nos é tomado a força, caminhamos com medo, não há segurança. Policiais são treinados para assistir o povo, mas esquecem de que eles também são seres humanos. Nos corrompem e nos desprezam, somos pó perante os líderes, e , enquanto não houver atitude estaremos presos a essa realidade.

Cláudia Silva e todas as mulheres oprimidas, presente!

2013: o ano que não terminará

"(...) Aqui e ali a luta se transforma em motim. Os operários triunfam às vezes; mas é um triunfo efêmero. O verdadeiro resultado de suas lutas não é o êxito imediato, mas a união cada vez mais ampla dos trabalhadores. Essa união é facilitada pelo crescimento dos meios de comunicação criados pela grande indústria e que permitem o contato entre operários de localidades diferentes." (MARX; ENGELS, 2010: 152. In: Manifesto Comunista.)

Quando, ainda em 1848, esse libelo foi escrito no meio tumultuado pela iminência de uma revolução na Europa, os pés desajustados deste texto sequer pensavam que, num período de mais de 150 anos, pudesse servir de refúgio para a análise que será feita agora. Não é, pois, de maneira alguma, eficaz ou prudente, dizer que entre aquele momento que a Europa viveu no final da primeira metade do século XIX seja próximo do que o Brasil viveu agora, em junho deste ano que finda. Não. Não é. O que há de novo que mecanicamente os aproxima, e que possivelmente já foi dito ou sentido por várias pessoas, é a sua valência enquanto poder constitutivo de uma sociedade que se pauta, ainda, tirando a natureza supérflua e simbólica que constrói o tecido social, na luta de classes. Uma luta, como bem frisa Marx e Engels, eminentemente política.

Os levantes de junho fizeram soçobrar as paredes de plástico do Estado e questionaram a sua natureza mesmo tendo em seu Gigante, o protagonista mainstream desta tentativa de "insurreição", um véu alienante que o impedia de enxergar para além das câmeras da Globo. De maneira geral, esse onda catártica que mesmo não começando em São Paulo, tem como aspecto fundante os resquícios de uma violência policial que desnovela como fio condutor da poderosa engrenagem que enfrenta o dilema central da maquinaria capitalista: "aqui há democracia, mas ela só serve para alguns". Bandeiras de partidos e sindicatos queimadas, políticos indesejados. Será que não aprendemos nada com as vozes das ruas?
A fugacidade das reivindicações e a clarividência dos meios de comunicação de massa não inquiriram com propriedade os manifestantes que acordaram a meia-noite para assistir aos fogos-de-artifício provocados historicamente por quem só sofre neste mundo. As pautas foram tantas que, rapidamente, a diluição juntamente com algumas poucas cobranças, espertamente planejadas, foram defendidas pelos atores/plano-médio do jornalismo brasileiro.

O fundo sempre em desgraça, o microfone projetado para o ambiente e o olhar que tentava reproduzir uma retina, reverberaram para milhões de lares brasileiros o choque: "o carinha de roupa preta é vândalo, já o que está com a bandeira nacional e com o Galaxy S4 postando no facebook 'Acorda Brasil!' é manifestante".
O espaço invisível foi ocupado. As ruas viraram campos de batalha para a disputa ideológica. Num dos raros momentos depois da Nova República, o que estava em pauta era os rumos do país. Para as categorias do pensamento, houve um colapso. Público, multidão ou massa? Como definir o que foi aquilo? Na TV, símbolos martirizados ainda em vida da, dita, esquerda tentavam dar coro, mas sempre estipulando medidas a tudo que acontecia. A medida era os limites do governo. A história, assim, varreu das lembranças de luta o que já se estava consagrado: a conciliação tem rosto e corpo burguês.
A justiça que precede o direito foi gloriosamente posta à tona. O que isso revela? Que os chamarizes descentralizados e esfumaçados que espraiavam os jovens como se nada fossem não passavam de brincadeira de criança. Os corpos que ali permaneceram, unidos pelo sentimento de revolta, estavam para a força dialética do capitalismo assim como a água está para o mar. Eram trabalhadores, oprimidos de toda sorte, sujeitos para quem o direito não se fazia realidade porque a realidade que dá diretos não é a realidade burguesa!

Dentro desse caldeirão, algumas indicações de um caminho em dissintonia com a própria realidade começam a apontar para uma saída que se fazia presente nesse insight de Engels e Marx: o acúmulo pelo tempero das lutas gera um acúmulo da consciência de classe para o seu potencial de superação do sistema. Não é que seja um presente possível, mas real! E essa contenda colocada no seio de um movimento atípico, dentro de um percurso histórico, nos conduzirá na direção de possíveis, e desejadas, lutas futuras. Confrontos que estarão postos para a história e que, se não forem colocados em 2014, certamente o serão nos anos seguintes.
Convém, mesmo com esse otimismo contido, lembrar que os avanços conquistados pela sociedade burguesa tem o limite claro de sua contestação. Nesse exato momento, por exemplo, em que as palavras pululam neste texto, uma guerra é travada e produzida pelo Estado contra os mais pobres, negros, jovens e de zonas periféricas; contra os índios que denunciam e resistem contra o extermínio provocado pelos latifundiários; contra os homossexuais e mulheres que abreviam a sua vida pela força materializada do machismo e da sociedade patriarcal. São essas vozes que, para nós, convertem-se em tarefas a serem vencidas, superadas, pelo próprio processo natural a que fomos destinados pela história: a Revolução.
O nosso devir revolucionário, em ritmo e graça, jamais esteve tão pronto para se afirmar na potência que subverterá as estruturas de exclusão e da desigualdade. Assim, os gritos que estiveram nas ruas e que ainda ecoam em nossas vidas continuarão a nos pressionar por mudanças profundas em tudo que está aí posto. Sem disfarce, sem reconhecer as deficiências e problemas pelo percurso, sem fazer uma leitura acrítica da realidade, é que podemos garantir: 2013 não acabará em 31 de dezembro.

Holy Motors e o paradigma da Arte

O que é a arte? Esta pergunta, sem dúvida, intriga não só a filósofos, mas a todas as pessoas que se deparam com um objeto qualquer e lhe perguntam: isto poderia ser arte? Holy Motors (2012), filme de Leos Carax, enfrenta e desenvolve este problema de dentro numa alegoria metalinguística do cinema falando sobre si mesmo que reforça a ideia de que a arte, mais uma vez, está chegando ao seu fim. O fim, como pondera Lebrun (1983), de um tipo de arte.

Com um personagem que percorre vários cenários em um único dia, assumindo várias formas e vidas para cumprir em cada etapa um compromisso, Holy Motors transfigura no protagonista, Oscar – clara alusão ao principal prêmio da indústria cinematográfica –, vivido por Denis Lavant, todos os desafios e limitações do ator, do esgotamento da obra-de-arte e de seu iminente desafio: o que fazer para além do comum? Como criar, motivar e transformar a arte em tempos de plágios e clichês para atender a ditames do mercado?

A resposta pode estar no próprio sentido de um tipo de arte: daquela que se perde no vazio entre o entretenimento absoluto e a sacralização irrestrita do “objeto-arte”. É preciso, por isso, segundo a perspectiva do autor, vencer o modelo binário extremista para que a arte encontre novamente o seu lugar. Pois que, em tempos de serialização da produção e recepção, de dessacralização radical do objeto – numa acepção contemporânea para o conceito de Walter Benjamin (1982) –, novas formas e novos jeitos de se fazer e ser arte precisam voltar a fazer parte da rotina do artista. Já que, a subversividade de outros tempos hoje é banal. O que faz da autenticidade e originalidade, também, lugar-comum.

         Nessa perspectiva, o filme constrói a crítica com reconfigurações de gêneros clássicos do cinema – como drama, sci-fi, ação, musical, etc. – entre os compromissos de Oscar com leituras estilísticas e estéticas que se confundem e se diluem na tela. Caso, por exemplo, da cena em que Oscar se metamorfoseia no senhor Merde reconfigurando sobre o colo de uma modelo, Eva Mendes, a tão conhecida obra Pietá de Michelangelo através de uma fotografia que dá a ideia de um relevo sobre tinta óleo. Assim como, em outro momento, quando a câmera sobe e se transforma numa aquarela com as cores se misturando por sobre um cemitério.

Holy Motors não deixa, porém, de fazer a sua crítica também às rotinas produtivas do artista, ao desenvolvimento vertiginoso da tecnologia para o processo de produção e de mercantilização dos anseios para se constituir a obra-de-arte. Oscar, para reforçar essa ideia, é mais um personagem dentre os personagens que executa. A sua própria vida é a sua própria arte. Uma extensão tão totalizante e, ao mesmo tempo, reducionista que anula o artista dentro de sua própria obra. Despersonificando-o no processo de produção que, no final, será devolvido à indústria, à garagem Holy Motors. Como se evidencia na última cena em que uma fila de limusines brancas, que transportam os atores como Oscar para os seus compromissos, conversam entre si num diálogo realístico sobre a jornada extenuante de trabalho e o esgotamento do público pela arte ao, por exemplo, constatar: “estamos ficando... obsoletos. (...) Os homens não querem mais máquinas visíveis. Sim, eles não querem mais motores.”

Em Holy Motors os idiomas se misturam – ora se fala inglês, ora francês, ora russo –, os personagens não se tocam, a sua vida é virtualizada a ponto de uma morte ser só de fachada para completar o ato, e uma contundente – e dura – mecanização do artista é criticada. Como no momento em que Oscar precisa rir até a meia-noite para cumprir a sua rotina diária mesmo depois de ver a sua ex-namorada morrer ao cumprir o seu último compromisso.

A tríade da arte – artista, objeto e público – projeta-se na tela com efeito contestatório de sua própria subversividade que agora, denuncia, tornou-se banal. Numa das primeiras cenas, por exemplo, o público dorme enquanto assiste a um filme em preto-e-branco que retrata um jovem nu, em replay, quebrando algo no chão. Depois, dentro do cinema, uma criança nua corre pelo corredor da sala. Em seguida, um cachorro enorme segue o mesmo percurso. O público, porém, permanece indiferente.

A plasticidade com que Leos Carax desenvolve a narrativa e mistura os gêneros e estilos que reverberam para além do Cinema possui na singularidade do personagem/ator Oscar o eixo central que cortina e descortina – cria e destrói – referências e paradigmas da arte. Remonta, por isso, através da crítica, a temporalidade dos múltiplos conceitos de arte dentro de um percurso histórico, como ensina Danto (2006), para apontar uma contemporaneidade em descompasso consigo mesma. A morte, portanto, da liberdade na arte pelo pós-moderno.

A partir desse instante, há a abertura para questões não resolvidas, diálogos incontestes sobre a natureza do ator e, em última instância, de sua obra. Em certo momento, por exemplo, do filme Oscar é perguntado pelo personagem de Michel Piccoli sobre o que o faz continuar, ao passo que responde: “a beleza do ato”. O personagem de Piccoli, então, retruca: “a beleza? Dizem que a beleza está nos olhos... nos olhos de quem vê”. Quando, por fim, Oscar, de forma profética, finaliza: “e se não houver mais quem olhe?”

Dentro dessa afirmação, Holy Motors reitera a natureza apocalíptica que bestializa as produções e serializa as formas de recepção com o desgaste gritante da obra-de-arte frente a paralisia da criatividade pela centralização mercadológica. É, pois, e sobretudo, uma crítica ao modelo binário extremista de recepção por quem recebe e (re)interpreta a arte para a convencionalidade do mercado e do senso comum, mesmo quando se acredita e se defende o contrário.

Tem o sentido, por isso mesmo, de duplo. Um quando critica a obra por seus aspectos mercantis e outro pela indiferença – visto naquela primeira cena em que o público dorme frente ao filme em preto-e-branco – quando se assiste a algo de “arte”. É, também, um vácuo que se cria sobre a obra, esvaziando-a, esterilizando-a para tornar padronizada ou excessivamente “cult” e, por consequência direta, chata. Um ciclo onde as pontas se ligam para destruir com a fruição estética.

Nesse momento, numa leitura de Richard Wolheim (1994) sobre a historicidade do prazer estético e a sua localização espacial e de Hans Robert Jauss (2002) sobre a experimentação da tríade no processo de formação e de recepção da obra-de-arte, o filme parece apontar para um efeito catártico sobre o objeto como função principal para o prazer que, por consequência, lhe daria as boas razões e o status de arte. A partir daí, por isso, a arte existiria em sua completude.

Dentre todas essas ponderações e apontamentos sobre as distintas significações dadas pelo diretor Leos Carax sobre o filme, tomamos como confiável, mesmo que em medida não tão extremada, a necessidade de recriação de outros tipos de arte em seu processo contínuo de produção. A arte, portanto, e reconhecendo as limitações teóricas pela sua própria abertura e diluição conceitual, deve passar por mais essa quebra em seu ciclo histórico para que se recrie frente às constantes transformações do mundo.

Não se trata aqui de defender, por isso, que a arte só tenha se recriado em situações-limite da história – o que não se confirma pelo próprio processo de significação que exige dos atores socialmente envolvidos na produção do bem cultural múltiplos e distintos processos de criação e recriação –, mas, e principalmente, que a sua morte representa um redescobrimento de sua tríade para fazer com que a arte consiga conservar o princípio fundante da subversividade e da fruição que a caracteriza. Para, com isso, emergir sobre a paralisia e interesses mecanizados do mercado e da lógica empresarial. A arte, por conseguinte, e fazendo coro a Holy Motors, deve ser como uma abertura que só se fecha em sua própria liberdade.

BIBLIOGRAFIA

BENJAMIN, Walter. “A obra de arte na época de sua reprodutibilidade técnica”. In et al. Teoria da Cultura de Massa (Luiz Costa Lima, org.). Rio: Paz&Terra (1982).

DANTO, Arthur Coleman. "Introdução: Moderno, pós-moderno e conteporâneo". In: Após o fim da arte. São Paulo, SP: EDUSP, 2006.

JAUSS, Hans Robert. "O prazer estético e as experiências fundamentais da poiesis, aisthesis e katharsis". In: A Literatura e o Leitor: textos de estética da recepção (Luiz Costa Lima, org.). Rio: Paz&Terra (2002).

LEBRUN, Gérard. “A mutação da obra de arte”. In et al. Arte e Filsofia. Rio: Funarte (1983): pp. 21,32.

WOLLHEIM, Richard; CIPOLLA, Marcelo Brandão (Trad.). A Teoria Institucional da Arte: In: A arte e seus objetos. São Paulo: Martins Fontes, 1994.